해외 연주활동이 많은 임윤찬피아니스트에게 진정으로 힘이 되는

후원자들은  약 1만 8천명으로 추산되는 외국인 폐북그룹이라 할 수 있겠음.

이들은 피아노 전공자를 포함한 악기연주자들, 오랜 클래식 매니아층,

전직 장관, 교수 등 다양한 직업군들로 구성되어 있는데..

임의 공연을 현지에서 직관하며 느낀 음악적인 감상과 소회를 현미경식 후기를

통해 서로 공유하며 임의 음악에 대한 이해와 사랑을 넓혀가고 있음.

특히, 놀라운 점은 이들은 임의 성격과 음악적인 성향에 대한 깊이 있는 통찰을 통해

골베에 임하는 임의 마음가짐과 작품의 구성의도까지도 파악하고 있다는 점.   


이 후기 작성자인  "더글러스 커즈(Douglas Kurz)" 역시

수십년간 여러 거장들의 다양한 골베를 들어온 클래식 애호가이자

골베 전문가로서  임의 카네기 골베리싸 직관을 통해 언론리뷰보다 심층적인

장문의 분석글을 올렸기에  5. 2. 스트리밍 시청을 앞두고 퍼옴.  


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2025년 4월 25일 저녁, 21세의 눈부신 세계적 아티스트 임윤찬이 뉴욕 카네기홀에서 요한 세바스티안 바흐의 가장 도전적이고 기념비적인

건반 작품인 ‘골드베르크 변주곡’을 아름답고 창의적이며 영감 넘치는 연주로 선보였다.


세계 최고의 피아니스트들이 무대를 빛내온 134년 전통의 유서 깊은 1891년 건립 콘서트홀은, 이날 2,800석 전석이 가득 찼다. 
피아노계의 모든 시선이 이 젊은 전설에게 집중된 가운데, 임윤찬은 우리를 1741년으로 데려갔다. 수세기라는 시간과 공간을 가로지르며,
윤찬은 우리를 자신의 우주로 초대했다. 그 78분은 영원성과 찰나성을 동시에 품은 순간이었다.

첫 아리아가 시작되자마자, 윤찬이 이 곡을 많은 연주자들이 감히 시도하지 못하는 수준의 자유로움으로 접근할 것임이 분명해졌다. 
이것은 페달 사용, 루바토, 그리고 장식음 처리의 자유로움에서 즉각적으로 드러났다. 
윤찬은 (나중에 다시 등장하는 아리아 다 카포에서 단 한 곳을 제외하고) 모든 반복 구간을 빠짐없이 연주했다.

아리아(그리고 30개의 모든 변주곡)의 두 부분을 각각  "A"와 "B"라고 부른다면, 반복이 포함된 구조는 A-A-B-B가 된다.
하지만 윤찬은 매번, 두 번째 연주(A2와 B2)에서 첫 번째(A1과 B1)와 다르게 연주했다. 
따라서 우리는 이 구조를 단순히 A-A-B-B라고 부를 수 없고, 반드시 A1-A2-B1-B2라고 해야 한다.
왜냐하면 A2는 항상 A1과 달랐고, B2 역시 B1과 달랐기 때문이다. 결과적으로 우리는 두 배의 음악을,
즉 골드베르크 변주곡을 이중으로 연주하는 경험을 한 셈이다.

윤찬이 각 A2와 B2 구간에서 가한 변화와 선택들은 다양하고 상상력이 풍부했다. 이는 흔히 많은 연주에서 볼 수 있는 것처럼 단순히
여기저기 추가적인 모르덴트나 아포지아투라를 덧붙이는 수준이 아니었다. 오히려 그는 우리에게 놀라운 아이디어들의 향연을 선사했다. 
개성 있는 장식음 추가는 물론, 다이내믹 변화, 성부 강조, 음색 변화, 악센트 조정, 옥타브 위아래로 음역을 옮기는 처리, 베이스 옥타브를
이중으로 두껍게 하는 것, 섹션 사이를 잇는 연결구 추가, 그리고 어떤 변주곡의 성격 자체를 새롭게 재구성하는 데까지 나아갔다.

나는 이 점을 꼭 강조하고 싶다.  윤찬이 가한 모든 텍스트상의 변화들,  즉 장식음, 음역 이동, 옥타브 이중화, 연결구 추가 등은
아무리 상상력과 자유로움이 발휘되었더라도, 바로크 시대 연주 관행안에서 엄격히 정당하고 허용 가능한 것들이다. 
바로크 음악은 반드시 경직된 양식적 틀 안에 갇혀서 연주되어야 한다는 생각은 잘못된 오해다.

그러나 이러한 텍스트상의 변화들을 넘어, 페달 사용, 음색, 성부 강조, 그리고 루바토의 선택은 단순히 이후 시대의 연주 스타일을
받아들인 것에 그치지 않고, 현대 스타인웨이 콘서트 그랜드 피아노의 자원과 가능성을 최대한 활용한 것이었다.
물론 일부 청중들은 바로크 음악을 낭만적 감수성으로 연주하는 것은 옳지 않다고 말할 수도 있을 것이다.

나는 이런 주장에 항상 강하게 반대해 왔다. 우선, 오늘날 살아 있는 누구도 바흐 시대를 직접 경험한 사람은 없다. 
우리는 바흐, 모차르트, 베토벤이 자신들의 음악을 실제로 어떻게 연주했는지 정확히 알지 못한다. 하지만 우리는 그들 역시 우리와 똑같은
감정과 생각을 가진 인간이었다는 사실을 알고 있다. 또한 그들이 새로운 악기와 악기의 발전을 기꺼이 받아들였다는 것도 알고 있다. 
누구도 나에게 바흐나 베토벤이 현대 스타인웨이 피아노를 승인하지 않았을 것이라고 설득할 수는 없다. 
오히려 그들에게 기회가 주어졌다면, 그들도 분명 이 악기의 모든 가능성을 적극적으로 활용했을 것이라고 나는 확신한다.

골드베르크 변주곡과 관련해 우리는 이른바 ‘글렌 굴드 효과(Glenn Gould effect)’라는 것도 고려해야 한다. 
내가 이 말을 하는 이유는, 지난 거의 70년 동안 굴드의 골드베르크 변주곡 녹음이 가장 널리 알려지고 지배적인 존재였기 때문이다. 
다른 수많은 연주자들이 보다 전통적이고 덜 개성적인 해석을 선보였음에도 불구하고,
대중은 여전히 굴드의 버전을 가장 많이 기억하는 경향이 있다. 
따라서 오늘날 우리가 정말 상상력 넘치고 창의적인 골드베르크 연주를 듣게 될 때,  그것은 단순히 ‘전통적인 연주’들과 다른 정도를 넘어
굴드의 해석과는 훨씬 더 크게 차별화되어 들리게 된다.
게다가, 1955년 녹음에서 글렌 굴드는 반복을 전혀 연주하지 않았다. 
따라서 그는 반복되는 구간을 어떻게 다르게 연주할지에 대해 아예 고민조차 하지 않았다. 
반면에 윤찬은 자신이 연주한 62개(무려 62개!!)의 A2와 B2 구간마다 매번 새로운 창조를 해냈다. 
그래서 우리 중 일부 굴드 팬들은 이렇게 생각할 수도 있다.  "이건 잘못된 거야. 윤찬은 곡을 바꿔버리고 있어. 장식음을 너무 많이 추가하고,
스타일을 바꿔버렸어. 이건 옳지 않아." 
이런 생각을 가진 청중들에게 나는 이렇게 말하고 싶다. 우리 모두 굴드의 독창적 천재성과 스타일을 존경한다. 
그러나 바흐를 연주하는 방법은 굴드식만 있는 것이 아니며, 다른 접근들도 똑같이 정당하다. 
윤찬은 굴드와는 매우 다르고, 또 전통적인 연주의 최고라 할 수 있는
(예를 들어 안드라스 쉬프, 로잘린 투렉, 머레이 페라이어, 앤절라 휴이트 같은) 해석들과도 다르지만, 
그의 골드베르크에서는 훨씬 더 광활한 소리와 아이디어의 은하를 열어 보여주고 있다.

자, 이제 위에서 언급한 모든 점들을 염두에 두고 본격적으로 연주에 대해 이야기해보자. 아리아는 단순한 시작과 함께 즉시 다른 시대,
다른 세계를 불러일으킨다. 하지만 윤찬의 표현력 넘치는 서정성과 시적 감수성 덕분에 그 세계는 한층 더 아름답게 빛났다.  
윤찬 자신처럼, 아리아는 사색적이고 깊이가 있었지만, 그는 그것을 아름답게 자연스럽게 흘러가게 만들었다.

A2와 B2 구간에서 윤찬은 과감하게 장식음을 추가하며, 자신의 정체성을 드러내려는 의도를 분명히 보여주었다. 
그는 쇼팽 녹턴 2번이나 리스트 소네토 104번처럼 자신이 특히 아끼는 곡들에서도 이와 비슷하게 자유로운 해석을 시도하며,
놀라운 효과를 만들어냈다. 여기 바흐에서도 결과는 음악적으로 매우 만족스러웠고, 무엇보다도 매우 인간적이었다.

'인간적'이라는 말이 나와서 말인데,  그가 천재적인 재능, 놀라운 기교, 그리고 이미 전 세계를 무대로 한 인상적인 연주 경험을 갖추고
있다 해도, 언제나 완벽할 수는 없는 법이다. 그래서  약간 긴장했거나, 혹은 조금 지쳐 있었던 것처럼 느껴지는 순간들이 있었다. 
물론 그가 지닌 능력에 비해 정확성이나 아티큘레이션, 섬세함이 다소 미치지 못한 구간들도 있었다. 
이러한 점은 특히 연주의 초반부에서 가장 뚜렷하게 드러났지만, 그는 연주를 이어가면서 점차 힘과 자신감, 그리고 확신을 되찾아가는 모습이었다.

많은 변주곡들은 반복 구간에서 장식음 추가나 성부 강조 같은 매혹적인 변화를 주는 기본 전략을 따랐지만, 그 중에서도 특히 주목할 만한
아이디어들이 있었다. 여기 그 일부를 소개한다. (모든 것을 다 언급하려면 책자 한 권이 필요할 정도다.)

유니슨(제3변주)과 2도(제6변주) 캐논은 모두, 캐논을 이루는 두 성부 아래에 16분음표로 흐르는 베이스 라인이 특징적이다.
이 부분들에서 윤찬은 왼손을 부드럽게 출렁이는 파도처럼 만들면서도, 오른손의 캐논 진행은 놀랍도록 명확하게 아티큘레이션 해냈다.
2도 캐논(제6변주)에서, 윤찬은 A구간 14마디 왼손의 예상치 못한 g# 옥타브 도약과, B구간 6마디 왼손의 a# 옥타브 도약을 강조했다. 
이는 바흐가 숨겨놓은 작은 유머를 즐기기 위한 것이었다.  이 뜻밖의 g#과 a#는 바로 이 캐논의 기초가 되는 2도 간격을 형성한다. 
바흐는 이런 아이디어를 작품 곳곳에 숨겨놓았고, 윤찬은 그것을 발견해 우리와 나눴다. 
다른 연주자들은 종종 이런 세세한 부분을 놓치고 지나간다.

지그(Gigue, 제7변주)는 특유의 춤 리듬과 낙관적인 슬라이드(네 개의 32분음표가 위의 음으로 이어지는 진행) 덕분에 매우 밝은 곡이다. 
윤찬은 반복 구간(A2와 B2)에서 음역을 한 옥타브 위로 올려 연주함으로써, 그 행복감을 더욱 강조했다. 
그 결과, 가볍고 천사 같은 소리가 만들어졌고, 청각적으로도 매우 신선한 변화를 주었다. 
이것은 '음역 변경'이라고 불리며, 바로크 음악에서는 지극히 정당하고 허용되는 표현 방식이다. 일부 하프시코드와 오르간은 '스톱'을
조정하거나 서로 다른 키보드(때로는 여러 층으로 구성된)를 사용해 음역을 바꿀 수 있기 때문이다.

6도 캐논(제18변주)과 그에 이어지는 바로크 무곡(제19변주)에서도 음역 변화를 활용했다. 
제18변주에서는 윤찬이 반복 구간을 한 옥타브 낮춰 연주하여, 악기의 베이스 음역을 훌륭히 살려냈다. 
특히 A구간 15마디에서 왼손에 등장하는 낮은 음(베이스 스태프 아래의 ‘A’)을, 반복 연주 시 더욱 깊은 저음으로 표현했다. 
윤찬은 반복 구간을 한 옥타브 더 낮춰 연주함으로써,  스타인웨이 콘서트 그랜드 피아노의 가장 낮은 음까지 실제로 활용해냈다. 
이는 현대 그랜드피아노의 모든 자원을 적극적으로 사용하겠다는 그의 의도를 명확히 보여주는 대목이었다.

제19변주에서는 윤찬이 제7변주와 마찬가지로 반복 구간을 한 옥타브 높여 연주했다. 하지만 이번에는 효과가 달랐다.
소리는 수정처럼 맑고 투명했으며, 마치 뮤직 박스를 연상시켰다.  좀 더 구체적으로 말하면, 나는 아나톨리 랴도프의 작품인
「음악 스너프 박스(A Musical Snuff-Box)」Op.32를 떠올렸다. 이 곡 역시 뮤직 박스 특유의 느낌을 지니고 있으며,
끝날 때쯤에는 마치 태엽이 감기면서 느려지는 듯한 표현을 한다.  그리고 실제로, 윤찬이 B2의 마지막 부분에 이르렀을 때, 랴도프의
뮤직 박스처럼 속도를 느리게 하며 마무리했다(물론 윤찬은 랴도프 작품들을 앙코르로 연주한 적이 있어 이 곡도 알고 있을 것임)

제9변주에서는, 윤찬이 A1과 B1 끝부분에 연결구(bridge) 역할을 하는 음들을 추가하여, A2와 B2로 자연스럽게 넘어가도록 만들었다. 
제13변주에서는 A1 끝부분에 좀 더 본격적인 연결구를 추가해 A2로 이어지게 했고, B2의 마지막에는 멋진 턴(turn, 장식음)을 덧붙였다. 
이러한 방식은 제16변주(프랑스 서곡)에서 바흐 자신이 A2와 B1 끝에 연결음을 삽입한 것과 같은 맥락을 따른 것이다.  
따라서 다시 말하지만, 윤찬의 선택은 '곡을 바꾼 것'이 아니라, 작품의 정신과 바로크 연주 관행에 일치하는 정당한 해석이었다.

제13변주에 대해 말하자면, 나는 이 변주를 세 개의 단조 변주곡(15번, 21번, 25번)과 함께 골드베르크 변주곡 전체에서
음악적 정점 중 하나로 본다.  
윤찬은 제13변주를 단독 앙코르 곡으로 연주한 적도 있는데(예를 들어 쇼팽 f단조 협주곡 연주 후), 이 변주를 얼마나 사랑하는지가
분명히 느껴진다.
그는 이 변주를 연주할 때 전혀 다른 태도를 보였다 — 음악과 함께 움직이며, 스스로 감정을 드러내고 표현할 수 있도록 내버려 두었다.  
이것은 그의 표정에서도, 음악이 만들어내는 아름다움 속에서도 그대로 드러났다. 
특히 B구간 3마디와 8마디에서는, 제15변주의 주제를 예고하는 듯한 두 음으로 된 구절들을 연주했다.

이제 단조 변주곡들에 대해 이야기해보자.
각 변주곡은 깊은 통찰과 함께, 슬픔, 고통, 그리고 아련한 아름다움을 서로 다른 농도로 담아 연주되었다.
제15변주, 5도 캐논은 작품 전반부를 마무리하는 변주이기도 해서, 연주가 끝난 후 상당히 긴 침묵이 이어졌다.
그 후 윤찬은 제16변주로 힘차게 진입했는데, 이 변주는 풍성한 음향으로 시작해 점점 더 오케스트라처럼 울려 퍼졌다.
제21변주와 '블랙 펄'이라 불리는 제25변주 역시, 인생 여정 속의 고통과 비애를 가득 품고 있었다.

나는 항상 제25변주가 모차르트의 환상곡(Fantasy)이 될 수도 있었겠다고 생각해왔다.  이 변주는 그런 모든 특성을 지니고 있다.  
그런 의미에서 보면, 제26변주는 체르니를 예고하는 듯하고(어제 누군가가 제안했던 것처럼 심지어 쇼팽의 작품번호 10-4번를 떠올리게 한다)  
제28변주의 트릴에 고음 선율을 덧붙이는 방식은 베토벤의 「발트슈타인」 소나타 3악장을 암시하기도 한다.   
제25변주는 폭넓은 다이내믹과 세밀한 내면적 표현을 담아, 독립된 작품으로도 손색이 없을 만큼 깊고 진심 어린, 아름다운 연주로 완성되었다.

제17변주는 특히 생동감 있고 매혹적인 연주였다.
이 변주는 빠르고 난이도 높은 토카타(또는 커크패트릭의 표현을 빌리면 ‘아라베스크’) 중 하나로 분류된다.  윤찬은 여기에 사랑스러운
아포지아투라(앞꾸밈음)를 추가했고, 하강하는 깨진 6도 음정들에서 위쪽 음이나 아래쪽 음을 번갈아 강조하는 멋진 장난을 더해,
그의 놀라운 손가락 기술을 더욱 흥미롭게 빛냈다.

마찬가지로, 토카타 스타일의 제20변주와 제23변주 역시 절정의 기교와 놀라움을 선사했다.  이 시점에 이르러 윤찬은 악기의 페달 조작에도
훨씬 뛰어난 통제력을 보여주었고, 덕분에 연주의 명료함과 아티큘레이션도 초반 약 10개 변주보다 더욱 뛰어났다.  
그의 자신감도 완전히 회복되어, 무대를 완벽히 장악한 모습이었다.

제24변주, 즉 옥타브 캐논 또한 절제되고 신중한 페달 사용과 함께, 탁월한 색채감과 성부 강조로 연주되었다.  
이 변주에서 들려온 음향의 질감은 나에게 호로비츠를 떠올리게 했다.
(안타깝게도 호로비츠는 부조니 편곡을 제외하면 바흐를 거의 연주하지 않았지만.)  
그러나 호로비츠 역시 성부 강조, 음색, 그리고 통제력 면에서 윤찬과 마찬가지로 뛰어난 거장이었다.

이제 마지막 "잎사귀"라 할 수 있는 세 개의 변주, 제28번, 제29번, 그리고 제30번(‘콰들리벳’)으로 넘어가자.  
나는 공연 전 대화에서 이 세 변주가 각각 최후의 신비로운 경지(제28번), 박수갈채(제29번), 앙코르(제30번)를 상징한다는 이론을 언급했었다. 
물론 이 해석은 머레이 페라이어 같은 연주자에게는 적용될 수 있을 것이다.  
하지만 윤찬의 경우, 그런 해석은 단번에 창밖으로 던져야 한다! 그는 전혀 다른 계획을 가지고 있었다.

윤찬은 특히 순환 구조를 가진 대규모 작품을 연주할 때, 매우 독특한 특성을 드러낸다.  그는 작품을 부분이 아니라 하나의 전체로 바라본다. 
마치 하나의 이야기처럼 곡의 흐름을 아우르고, 소박한 시작에서 장대한 절정을 향해 서서히 구조를 쌓아올린다.그것은 어쩌면,
그의 인생 이야기와도 닮아 있지 않은가?

우리는 모두 그 여정 속에서, 때때로 스스로에 대한 의심을 경험하고, 고립감이나 심지어 내면의 우울함을 겪기도 한다. 
하지만 그러한 순간들을 서서히 극복하며 끊임없이 노력해 성공을 쌓아 나가고, 마침내 벅찬 돌파구를 맞이하며, 
폭풍처럼 몰아치는 극적인 성취를 이뤄내어 장대한 업적에 도달하게 된다.

우리는 이미 그의 주요 작품들과 연주 사이클, 예를 들면 「초절기교 연습곡(Transcendental Études)」 연주에서 이 과정을 목격한 바 있다. 
그는 마지막에 이르러 눈과 고통의 파괴적인 토네이도로 변모했다. 
또 쇼팽의 작품번호 25번 에튀드 연주에서는, 마지막 세 곡이 불가능할 만큼 강력한 클라이맥스를 향해 쌓여 올라가면서, 
그는 피아노나 자신의 육체를 넘어선 거대한 바다 자체가 되었다. 
라흐마니노프 피아노 협주곡 3번에서는(특히 3악장에서, E♭ 장조의 변주구 간주 이후) 
점차 추진력을 모아 믿을 수 없을 정도의 에너지로 폭발해 나아갔다.
「전람회의 그림(Pictures at an Exhibition)」에서는, 자신과 피아노를 초월해 키예프의 거대한 문(Great Gate of Kiev)의 장엄함을 창조해냈다.  
그리고 이제, 그는 골드베르크 변주곡에서도 같은 일을 해냈다.

그래서 많은 연주자들이 제28변주의 트릴을 가볍고 신비롭게 연주하는 것과 달리, 
윤찬은 이 트릴을 강한 포르테에서 포르티시모까지 힘 있게 밀어붙였다. 
문맥 없이 보면 직관적이지 않게 느껴질 수도 있지만, 이는 프랑스 서곡(제16변주)부터 시작해 점점 더 대담하고 풍성해지는 구조를 쌓아가는
그의 거대한 구상 속에서 완벽히 들어맞았다.  
(물론 그 과정에서 캐논들과 블랙 펄(제25변주)은 이 고조되는 드라마를 잠시 중단시키는 대조적 역할을 했다.)

마찬가지로 제29변주도 이 대담한 에너지를 이어가며, 몇몇 부분에서는 옥타브를 이중으로 겹치거나 화음을 추가했다. 
그리고 제28변주가 놀랍도록 강렬했던 것처럼, 제30변주 콰들리벳 역시 흔히 연상되는 대중가요 모음이나 친목 모임 비공식적인 앙코르처럼
가볍게 연주된 것이 아니라,  슈만의 「다비드 동맹 무곡(Davidsbündlertänze)」, 「카니발(Carnaval)」, 또는 「교향적 연습곡(」의
마지막을 장식하는 승리의 행진곡처럼 힘차게 울려 퍼졌다.    윤찬은 세상을 정복했다!

적당한 침묵이 흐른 뒤, 아리아 다 카포(Aria da capo)의 마법이 다시 돌아왔다. 
인생이라는 대서사를 지나온 뒤에는 그 무엇도 예전과 같을 수 없다. 그래서 아리아 다 카포의 분위기는 연주 초반 아리아와 뚜렷하게 달랐다. 
바흐는 이 재연 부분에서 A구간은 반복하지만, B구간은 반복하지 않도록 지시하고 있다.

그러나 윤찬은 A구간과 B구간 모두를 반복하지 않기로 선택했고, 따라서 이 부분에서는 장식음을 추가하지 않고 단순하게 연주했다. 
이 순간만큼은 전체 연주 중에서 글렌 굴드에 가장 가까운 접근이었다. 실제로 윤찬은 바흐가 악보에 명시한 몇몇 장식음들을 생략했는데,
이는 굴드 역시 생략했던 부분이다.
결국 윤찬이 굴드의 1981년 녹음을 깊이 숙지하고, 이 지점에서 그에게 경의를 표했음을 알 수 있다.  
다만, 윤찬은 마지막에 등장하는 바흐의 f# 아포지아투라는 굴드와 달리 연주했다.

우레와 같은 환호와 박수갈채가 터져 나온 뒤, 열렬한 청중들은 당연히 아름다운 앙코르를 기대하고 있었다. 
그러나 이 신성한 의식을 마친 후, 윤찬은 오직 단순한 32개의 음으로 이루어진 베이스 라인만을 연주하기로 선택했다. 
이 베이스 라인은 골드베르크 변주곡 전체를 떠받치는 핵심이며,  바흐가 밤하늘에 펼쳐 놓은 놀라운 별들의 집합을
하나의 찬란한 별자리로 엮어내는 공통된 실이었다.

이번 연주가 윤찬이 보여줄 수 있는  골드베르크 해석 중 가장 완벽한 연주는 아니었다고 할 수 있을지라도, 오늘 밤 그가 보여준 놀라운
예술성과 완숙한 기량은, 그의 경력이 아직 초기 단계임에도 불구하고 이미 전설로 자리매김하고 있는 그의 놀라운 위상을 더욱 높이는
결과를 낳았다. 그를 향한 넘치는 사랑, 그리고 사람들의 마음을 움직이는 그의 힘은 여전히 경이롭기만 하다.

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