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라벨의 쿠프랭의 무덤: 최고의 음반을 위한 안내서


제드 디슬러

2025년 12월 5일 금요일


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More recent recordings


Collectors are hard-pressed to choose when it comes to recent generations of French pianists. Allow me to quote from my review of François‑Xavier Poizat’s remarkable six-disc Ravel survey: ‘By favouring crisp dry-point precision over speedy glibness, [the] Toccata sounds faster than it actually transpires. In contrast to the run-on note-spinning one often hears in the suite’s Prélude, Poizat’s liberal pedalling and dynamic latitude add welcome expressive warmth to the mix.’ Reviewing Jean‑Efflam Bavouzet’s Chandos Ravel cycle, I noted how the penetrating clarity of the Yamaha concert grand contrasted with the mellower partina of the 1901-vintage Steinway featured in this pianist’s 2003 MDG Ravel cycle: ‘The Yamaha’s brightness imparts a beguiling clavecin/fortepiano-like bite to the Prélude’s embellishments and Toccata’s repeated notes’, together with Bavouzet’s bolder take on the Rigaudon. Jean‑Yves Thibaudet’s Prélude reveals comparable linear cogency, along with one of the few recorded Fugues that pays total heed to Ravel’s phrasings and articulations. Although it takes time for Thibaudet’s basic tempo in the Forlane to settle, his Menuet deliciously accounts for every line and every ornament. Some may find Thibaudet’s Toccata a mite deliberate and studio-bound, in order to ensure the utmost accuracy and alignment of accents, perhaps?


Conversely, Alexandre Tharaud’s Prélude is all about fifty shades of legato and a wide dynamic range, in contrast to his animated and expressively contained Forlane. He mirrors Thibaudet’s attention to detail in the Toccata, albeit with suaver results that reflect Harmonia Mundi’s mellower, more spacious engineering. I understand Roger Nichols complaining about Tharaud’s ‘unduly generous’ pedalling, but I find it ‘duly imaginative’! RN’s review also included harsh observations about Roger Muraro’s Ravel cycle. He disparaged Muraro’s ‘oodles of rubato’ throughout Le tombeau, while citing myriad transgressions of voicing and a missing D sharp in the Menuet’s 92nd bar. While I concede my colleague’s points, I happen to love Muraro’s admittedly personalised yet highly engaging and charismatic artistry. So did William Barrington-Coupe, who stole Muraro’s Ravel to release under Joyce Hatto’s name on his notorious Concert Artist label.


When Joan Chissell positively reviewed the first instalment of Louis Lortie’s Ravel cycle, she curiously said nothing about the pianist’s excellent Le tombeau. One could take dictation from the Prélude’s slightly sec definition, not to mention the Fugue’s translucent textures. The patiently unfolding Forlane is a model of expressive economy, while one can really dance to Lortie’s kick-stepping Rigaudon. Not one note of the Toccata falls under the table, although here Lortie plays things a tad safe. Still, Lortie’s honest technique and textual integrity deserve serious consideration. These words equally apply to Bertrand Chamayou’s highly acclaimed 2016 release, lavishly and justifiably praised by Patrick Rucker. Clément Lefebvre also brings a fresh and personal voice to this thrice familiar repertoire, and without indulging in eccentricities. Notice his meticulous dynamic gradations in the Fugue and his varied mood changes from section to section in the Forlane. His sharply contrasted Rigaudon sounds faster than it actually is, and although I prefer Chamayou’s brisker, more scintillating Toccata, the sophisticated voicing of Lefebvre’s repeated notes compensate. Such cultured and superbly engineered interpretations make me want to hear a complete Ravel cycle from this gifted pianist.


Gwendolyn Mok’s recording makes use of a pristinely restored 1875 vintage Érard model. The action’s responsive immediacy is just as apparent to a listener as to a pianist, and allows Mok to shape each piece with stimulating vigour and lean yet colourful sonorities; clearly her intensive Ravel studies with Perlemuter paid off! Mok’s stylistic surety and effortless virtuosity further sweeten the deal for those wishing to hear this music on a period instrument. Yet even more pared-down lightness emerges from a modern concert grand on David Lively’s live 1979 Munich recording, originally released in DG’s ‘Concours’ debut series and now available via Australian Eloquence’s ‘Piano Library: Deutsche Grammophon Edition’ (1/25). The New York Times’ Edward Rothstein cited ‘a Gallic crystalline delicacy, even at the music’s most incisive moments’. My ears perceive terse black-and-white etchings as opposed to Mok’s joyful colour prints.


Javier Perianes’s recent Harmonia Mundi release bracketed Ravel’s Piano Concerto in G with both piano and orchestral versions of Le tombeau and Alborado del gracioso, partnered by Josep Pons and the Orchestre de Paris. ‘His Tombeau has all the refinement and subtlety you could wish for: the filigree grace of the Fugue and the drive and wit of the closing Toccata are particularly beguiling’, wrote Tim Ashley, and I couldn’t agree more.


No boundaries between ideation and execution exist for Seong‑Jin Cho. Are his microscopic calibrations of phrase subtle and probing or merely fussy and self-aware? Do they draw more attention to the pianist than to the composer? I leave that for listeners to decide. Meanwhile, Angela Hewitt consistently channels her virtuosity towards serving the text. Le tombeau’s intricately exposed textures are tailor-made for her Bach-drenched fingers. Listen to how clearly Hewitt centres the Prélude’s intricate filigree with deft interplay between both hands. Her impressively varied articulations orchestrate the Toccata in pianistic terms, helped by her sophisticated pedal mastery. Indeed, Le tombeau may well be the prize in Hewitt’s Hyperion Ravel cycle.


Hewitt’s label-mate Steven Osborne’s Ravel cycle also has much to recommend it. His Le tombeau proves leaner, more fastidious and almost clavecin-evocative next to the reading on his 1997 all-Ravel debut disc from Musical Heritage Society. I still prefer the latter’s tonal warmth and generous expressive berth. These qualities count among the many distinctive features of Abbey Simon’s Vox recording. The Prélude bristles like gentle rain, with every droplet stunningly defined. Simon’s Fugue unfolds at an animated yet flexible tempo, and how magically the final bars wind down in his hands. The quick and ravishingly inflected Forlane leads into a forthright, untrammelled Rigaudon, followed by Simon’s incandescent playing of the two final movements. The early 1970s sound holds up remarkably well. A pity that Vox presents the entire suite on a single track, without dividing the movements; this applies to the CD, the download and the streaming editions.


The charismatic Martin James Bartlett included Le tombeau on his creatively curated mixed recital ‘La danse’. Michelle Assay found the interpretation ‘attractively effervescent and tinkling, but more strong Spanish dry than sparkling rosé, especially in the Toccata’. She accurately reports on Bartlett’s non-espressivo standoffishness and thinness of tone, but it’s possible that this pianist is trying to infuse the music with Couperin’s spirit. Surely he has the fingers to pull off this conception.


Decca issued two relatively recent versions in close proximity. Yeol Eum Son’s 2016 ‘Modern Times’ recital didn’t last long in the catalogue on physical disc. Much as I’ve admired this pianist’s Schumann, Mozart and Kapustin, her Ravel disappoints. She takes the Prélude at a tempo considerably under Ravel’s Vif directive, adding fanciful rubatos along the way. Her Fugue and Menuet are straightforward but soft-edged and rather bland, while the Toccata gets thicker and heavier as it progresses. Benjamin Grosvenor’s download-only bonus for his 2016 ‘Homages’ album is in an altogether different league. He’s one of the few pianists on disc to timbrally distinguish the Prélude’s right-hand grace-note accents from the left hand’s slurred staccato quavers, while the Menuet’s melody/accompaniment separation suggests two different pianos in action. My only quibble is that the pianist doesn’t quite sustain the lightness and momentum he generates at the Toccata’s inception.


In conclusion

Naturally one cannot speak of Le tombeau de Couperin without acknowledging Ravel’s orchestral suite containing the Prélude, Forlane, Menuet and Rigadoun in that order. This isn’t the place to compare recorded versions, but I’ll nevertheless cite certain favorites: Paul Paray/Detroit SO (Mercury, 11/60), Claudio Abbado/LSO (DG, 2/89), Seiji Ozawa/Boston SO (DG, 11/75) and Ernest Bour/SWR SO (Hänssler Classic, 1974). I would be remiss to omit Arthur Rubinstein’s priceless 1961 studio recording of the Forlane (RCA) from this survey. Few pianists hold a candle to Rubinstein’s natural singing line, his carefully worked out yet natural-sounding balances and his discreet rubato. Mark my words: you’ll never hear this movement played better. As for the entire suite, I could easily nominate at least half a dozen first-choice recordings from my list and not steer readers wrong. However, Abbey Simon’s Ravel continues to provide unalloyed pleasure, abetted by superb sound and a well-regulated instrument. All aspiring pianists can learn from his cultivated artistry.



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최근 녹음들


최근 세대의 프랑스 피아니스트들 가운데서 음반을 고르는 일은 수집가들에게 결코 쉽지 않은 과제가 되었다. 여기서 프랑수아-자비에 포아자의 주목할 만한 여섯 장짜리 라벨 전집에 대해 내가 썼던 리뷰 일부를 인용하고자 한다. “기민한 속도감이나 번지르르한 유창함보다 또렷하고 건조한 드라이포인트식 정확성을 우선함으로써, 토카타는 실제보다 더 빠르게 들렸다. 흔히 이 모음곡의 프렐류드에서 들리는 끝없이 이어지는 음의 나열과 달리, 포아자의 넉넉한 페달 사용과 폭넓은 다이내믹 운용은 음악에 반가운 표현적 온기를 더했다.” 장-에플람 바부제의 샹도스 라벨 사이클을 리뷰하면서, 나는 이 녹음에서 사용된 야마하 콘서트 그랜드의 관통력 있는 명료함이, 그가 2003년 MDG에서 발표한 라벨 사이클에 사용한 1901년산 스타인웨이의 보다 온화한 파티나와 어떻게 대비를 이루는지를 지적했다. “야마하 특유의 밝은 음색은 프렐류드의 장식음과 토카타의 반복음에 클라브생이나 포르테피아노를 연상시키는 매혹적인 날카로움을 부여한다.” 여기에 더해, 리고동에서 드러난 바부제의 보다 대담한 해석도 인상적이었다. 장-이브 티보데의 프렐류드는 이에 필적하는 선율적 응집력을 보여주며, 라벨이 명시한 프레이징과 아티큘레이션을 끝까지 충실히 따른 몇 안 되는 녹음 가운데 하나인 푸가를 포함하고 있다. 포를란에서 설정한 기본 템포가 자리를 잡기까지는 시간이 다소 필요하지만, 메뉴에트에서는 모든 성부와 장식음이 맛깔스럽게 살아난다. 다만 일부 청중에게는, 최대한의 정확성과 악센트 정렬을 확보하기 위해서인지 티보데의 토카타가 다소 신중하고 스튜디오적인 인상을 줄 수도 있겠다.


이에 반해 알렉상드르 타로의 프렐류드는 폭넓은 다이내믹 범위와 ‘레가토의 오십 가지 음영’이라 부를 만한 세계를 펼쳐 보이며, 보다 생동감 있으면서도 표현이 절제된 포를란과 대조를 이룬다. 그는 토카타에서 세부에 대한 티보데의 주의 깊음을 공유하지만, 하르모니아 문디의 보다 온화하고 여유로운 녹음 덕분에 결과는 한층 부드럽게 들린다. 로저 니컬스가 타로의 “과도하게 너그러운” 페달링을 문제 삼은 점은 이해하지만, 필자에게는 그것이 오히려 “적절히 상상력이 풍부한” 선택으로 느껴졌다. 니컬스의 리뷰에는 로제 뮈라로의 라벨 사이클에 대한 가혹한 지적도 포함되어 있었다. 그는 Le tombeau 전반에 걸친 “과도한 루바토”를 비판했고, 성부 처리의 여러 일탈과 메뉴에트 92마디에서의 D♯ 누락까지 지적했다. 동료의 이러한 지적에 일정 부분 동의하면서도, 필자는 개인적인 해석이 강하긴 하나 대단히 매력적이고 카리스마 넘치는 뮈라로의 예술성을 사랑한다. 악명 높은 콘서트 아티스트 레이블에서 조이스 하토의 이름으로 뮈라로의 라벨을 도용 발매했던 윌리엄 배링턴-쿠프 역시 그렇게 느꼈을 것이다.


조안 치셀은 루이 로르티의 라벨 사이클 첫 음반을 호평하면서도, 이상하게도 이 피아니스트의 훌륭한 Le tombeau에 대해서는 아무 언급도 하지 않았다. 프렐류드의 약간 건조한 정의감 넘치는 음형은 받아 적어도 될 만큼 분명했고, 푸가의 투명한 질감 역시 그러했다. 인내심 있게 전개되는 포를란은 표현적 절제의 모범이었으며, 로르티의 리고동에서는 실제로 춤을 출 수 있을 정도였다. 토카타에서는 단 한 음도 묻히지 않았지만, 이 부분에서는 다소 안전한 선택을 했다는 인상도 남겼다. 그럼에도 불구하고, 로르티의 정직한 테크닉과 텍스트에 대한 성실함은 충분히 진지한 평가를 받을 자격이 있다. 이 평가는 패트릭 러커로부터 풍성하고도 정당한 찬사를 받은 베르트랑 샤마유의 2016년 음반에도 그대로 적용된다. 클레망 르페브르 역시 이 익숙한 레퍼토리에 신선하고 개인적인 목소리를 더했으며, 기이한 해석에 빠지지 않았다. 푸가에서의 세심한 다이내믹 단계 변화와 포를란에서 구간마다 달라지는 분위기 전환에 주목할 만하다. 리고동은 실제보다 훨씬 빠르게 들릴 정도로 선명한 대비를 이루며, 비록 필자는 샤마유의 더 경쾌하고 눈부신 토카타를 선호하지만, 르페브르의 반복음에서 드러나는 세련된 성부 처리는 이를 충분히 보완한다. 이렇게 교양 있고 음향적으로도 훌륭한 해석을 들으면, 이 재능 있는 피아니스트의 완전한 라벨 사이클을 듣고 싶어지지 않을 수 없다.


그웬돌린 목의 녹음은 완벽하게 복원된 1875년산 에라르 피아노를 사용했다. 이 악기의 즉각적이고 반응성 좋은 액션은 청중에게도, 연주자에게도 분명히 전달되며, 목이 각 곡을 자극적인 활력과 날렵하면서도 다채로운 음색으로 빚어낼 수 있게 해준다. 페를뮈테르에게서 받은 집중적인 라벨 수업이 결실을 맺었음은 분명하다. 그녀의 양식적 확신과 자연스러운 기교는, 시대 악기로 이 음악을 듣고자 하는 이들에게 또 하나의 즐거움을 더한다. 그러나 더 절제된 가벼움은 데이비드 라이블리의 1979년 뮌헨 라이브 녹음에서, 현대 콘서트 그랜드를 통해서도 드러난다. 이 음반은 DG의 ‘콩쿠르’ 데뷔 시리즈로 처음 발매되었고, 현재는 호주 엘로퀀스의 ‘피아노 라이브러리: 도이체 그라모폰 에디션’으로 들을 수 있다. 뉴욕 타임스의 에드워드 로스틴은 이 연주를 두고 “음악이 가장 날카로워지는 순간에도 갈리아적인 수정 같은 섬세함”이라고 평했다. 필자의 귀에는, 목의 환희에 찬 컬러 프린트와 달리, 간결한 흑백 에칭처럼 들렸다.


하비에르 페리아네스의 최근 하르모니아 문디 음반은, 조셉 퐁스와 파리 오케스트라와 함께 라벨의 피아노 협주곡 G장조를 중심에 두고, Le tombeau와 Alborada del gracioso를 피아노판과 관현악판으로 모두 배치했다. 팀 애슐리는 “그의 Tombeau는 바랄 수 있는 모든 세련됨과 섬세함을 갖추고 있으며, 푸가의 필리그리 같은 우아함과 마지막 토카타의 추진력과 재치는 특히 매혹적이다”라고 썼는데, 이에 전적으로 동의한다.


조성진에게는 발상과 실행 사이의 경계가 존재하지 않는 듯했다. 그의 악구에 대한 미시적인 조율은 섬세하고 탐구적인 것이었을까, 아니면 지나치게 세심하고 자기의식적인 것이었을까. 그것이 작곡가보다 피아니스트에게 더 많은 주의를 끌어당겼는지는 청중의 판단에 맡기고자 한다. 한편, 안젤라 휴잇은 언제나 자신의 기교를 텍스트에 봉사하는 방향으로 일관되게 이끌어갔다. Le tombeau의 세밀하게 노출된 질감은 바흐에 흠뻑 젖은 그녀의 손가락에 맞춤처럼 어울렸다. 두 손의 기민한 상호작용을 통해 프렐류드의 복잡한 필리그리가 얼마나 또렷하게 중심을 잡았는지 귀 기울여볼 만하다. 그녀의 인상적으로 다양한 아티큘레이션은, 세련된 페달 운용의 도움을 받아 토카타를 피아노적인 관점에서 마치 오케스트레이션하듯 빚어냈다. 실제로 Le tombeau는 휴잇의 하이페리온 라벨 사이클에서 가장 빛나는 성과로 꼽힐 만했다.


휴잇과 같은 레이블의 스티븐 오즈번이 녹음한 라벨 사이클 역시 추천할 만한 점이 많다. 그의 Le tombeau는 1997년 뮤지컬 헤리티지 소사이어티에서 발표한 올-라벨 데뷔 음반에 비해 한층 더 날렵하고, 세심하며, 거의 클라브생을 연상시킨다. 필자는 여전히 전자의 음색적 온기와 너그러운 표현의 여지를 더 선호한다. 이러한 특성은 애비 사이먼의 복스 녹음에서도 두드러진다. 프렐류드는 잔잔한 비처럼 반짝이며, 모든 음방울이 놀라울 만큼 선명하게 드러난다. 사이먼의 푸가는 활기차면서도 유연한 템포로 전개되며, 마지막 마디들이 그의 손에서 얼마나 마법처럼 사그라드는지 인상적이다. 빠르고 매혹적인 억양이 살아 있는 포를란 뒤에는 거침없는 리고동이 이어지고, 마지막 두 악장에서의 불꽃 튀는 연주가 뒤따른다. 1970년대 초반의 음향은 놀라울 만큼 잘 견뎌냈다. 다만 이 전곡이 하나의 트랙으로만 제공되어, 악장 구분이 되지 않는 점은 아쉬움으로 남는다. 이는 CD, 다운로드, 스트리밍 모두에 해당한다.


카리스마 넘치는 마틴 제임스 바틀릿은, 창의적으로 구성한 혼합 리사이틀 ‘La danse’에 Le tombeau를 포함시켰다. 미셸 아세이는 이 해석을 “매력적으로 발랄하고 반짝이지만, 특히 토카타에서는 스파클링 로제보다는 드라이한 스페인 화이트에 가깝다”고 평했다. 그녀는 바틀릿의 비에스프레시보적인 거리감과 얇은 음색을 정확히 짚었지만, 이 피아니스트가 쿠프랭의 정신을 음악에 불어넣으려 하고 있을 가능성도 배제할 수 없다. 그 구상을 실현할 손가락을 그가 지니고 있음은 분명하다.


데카는 비교적 최근에 두 가지 버전을 잇달아 발매했다. 손열음의 2016년 리사이틀 ‘Modern Times’는 실물 음반 카탈로그에 오래 남지 못했다. 필자가 이 피아니스트의 슈만, 모차르트, 카푸스틴 해석을 높이 평가해 왔음에도 불구하고, 그녀의 라벨은 실망스러웠다. 프렐류드는 라벨이 지시한 Vif보다 현저히 느린 템포로 연주되었고, 그 과정에서 장식적인 루바토가 덧붙여졌다. 푸가와 메뉴에트는 무난했지만 가장자리가 흐릿하고 다소 밋밋했으며, 토카타는 진행될수록 점점 두껍고 무거워졌다. 반면 벤저민 그로브너의 2016년 음반 ‘Homages’에 수록된 다운로드 전용 보너스 트랙은 전혀 다른 차원의 연주였다. 그는 프렐류드에서 오른손의 장식음 악센트와 왼손의 슬러 처리된 스타카토 8분음을 음색적으로 구분해낸 몇 안 되는 피아니스트였고, 메뉴에트에서는 마치 두 대의 피아노가 연주하는 듯한 선율과 반주의 분리를 들려주었다. 유일한 아쉬움이라면, 토카타 도입부에서 만들어낸 가벼움과 추진력을 끝까지 완전히 유지하지는 못했다는 점이다.


결론


물론 Le tombeau de Couperin을 말하면서, 프렐류드·포를란·메뉴에트·리고동으로 구성된 라벨의 관현악 모음곡을 언급하지 않을 수는 없다. 여기서 녹음 비교를 본격적으로 펼칠 자리는 아니지만, 개인적으로 선호하는 몇 가지를 들자면 다음과 같다. 파울 파레/디트로이트 심포니(머큐리, 1960년 11월), 클라우디오 아바도/런던 심포니(DG, 1989년 2월), 오자와 세이지/보스턴 심포니(DG, 1975년 11월), 에르네스트 부르/SWR 심포니(헨슬러 클래식, 1974년)이다. 또한 이 조사에서 아르투르 루빈스타인의 1961년 포를란 스튜디오 녹음(RCA)을 빠뜨린다면 큰 실수가 될 것이다. 자연스러운 노래하는 선율, 치밀하게 계산되었으면서도 인위적으로 들리지 않는 균형감, 절제된 루바토에서 루빈스타인을 능가할 피아니스트는 거의 없다. 단언컨대, 이 악장을 이보다 더 잘 연주하는 경우를 듣기는 어려울 것이다. 전곡으로 보더라도, 필자는 최소한 대여섯 가지의 최우선 추천 음반을 쉽게 꼽을 수 있으며, 독자들을 잘못된 길로 이끌 염려는 없을 것이다. 그럼에도 불구하고 애비 사이먼의 라벨은, 훌륭한 음향과 잘 조율된 악기의 도움을 받아, 여전히 순수한 즐거움을 제공한다. 모든 젊은 피아니스트들은 그의 세련된 예술성에서 배울 점이 많다.