❤+❤+ 임윤찬, 카네기 홀에서 슈베르트와 스크랴빈을 연주하다 ❤+❤+


2026년 4월 24일 금요일 저녁, 뉴욕 카네기 홀 리사이틀 리뷰


어제저녁 8시 10분경, 카네기 홀은 기대로 가득 차 있었습니다. 높은 층에서 내려다보니 파르케(1층석)를 비롯해 공연장 전체에 빈자리가 거의 없었습니다. 그야말로 입추의 여지가 없었죠. 이윽고 조명이 어두워지고 무대 문이 열렸습니다. 임윤찬이 성큼성큼 걸어 나와 피아노를 향했습니다. 발걸음을 멈추지 않은 채 아주 짧은 인사만 건네고는 즉시 자리에 앉았습니다. 음악이라는 '본업'에 바로 뛰어들겠다는 의지가 확고한 청년의 모습이었습니다!


슈베르트의 소나타 D장조('가슈타이너') 1악장이 시작되자마자 그가 **'야수(the Beast)'**를 선택했음이 분명해졌습니다. 곡이 아니라 피아노 이야기입니다! 최근 몇 년간 카네기 홀은 연주자가 선택할 수 있는 두 대의 피아노를 보유하고 있는데, 우리는 이를 **'미녀(Beauty)'**와 **'야수'**라고 부릅니다. '미녀'는 부드러운 톤에 선율미가 넘치고, '야수'는 강력한 사운드와 밝은 톤을 가졌죠. 대규모 협주곡이나 화려한 기교가 필요한 레퍼토리에는 이 '야수'가 로켓 연료 같은 역할을 해줍니다. 보통 독주회에서는 '미녀'가 더 안전한 선택입니다. 하지만 슈베르트 도입부에서 울려 퍼지는 야수의 쟁쟁한 저음을 듣는 순간, 저는 임윤찬이 오로지 스크랴빈을 위해 이 피아노를 골랐음을 직감했습니다.


독주회에서 악기 자체에 신경이 쓰이는 것은 드문 일이며 대개 좋은 신호는 아닙니다. 호로비츠 같은 극소수만이 자신의 피아노를 가지고 투어를 다녔죠. 9피트짜리 콘서트 그랜드 피아노는 바이올린보다 훨씬 크고 무거우니까요! 그래서 연주자와 관객은 때로 공연장에 비치된 악기의 처분에 맡겨지곤 합니다. 솔직히 말해 이 피아노는 슈베르트에는 전적으로 적합하지 않았습니다. 터치와 톤을 조절해 적응할 수도 있었겠지만, 거기엔 시간이 좀 걸립니다.


'가슈타이너' 소나타는 연주에 최소 40분이 걸리는 대곡으로, 슈베르트가 1825년 8월 작곡할 당시 가장 야심 찬 독주곡이었습니다. '방랑자 환상곡'이 기술적으로 가장 어렵다고들 하지만, 이 D장조 소나타 역시 매우 까다로운 구절이 많습니다. 마지막 세 개의 소나타만큼 자주 연주되지는 않는데, 그 곡들이 적은 노력으로도 더 큰 무게감을 주기 때문이죠.


임윤찬은 영웅적이고 낙관적인 톤으로 1악장을 시작했습니다. 대다수 슈베르트 소나타가 알레그로 모데라토로 시작하는 것과 달리 이 곡은 알레그로 비바체여서 훨씬 생동감 있고 빠릅니다. 그는 충분한 결단력과 에너지로 제시부의 승리감 넘치는 화음들과 까다로운 전개부, 코다의 팡파르를 돌파했습니다. 하지만 '야수'는 몇몇 구간에서 아름다운 톤을 만들어내지 못했습니다. 쨍그랑거리는 저음역대가 금속성 공명과 함께 단순한 슈베르트식 화성을 압도하며 때로 혼탁함을 만들기도 했습니다. 제 견해로는 피아니스트보다는 악기의 탓이 컸습니다.


이어지는 두 개 악장에서 임윤찬은 터치를 조절하며 피아노에 적응하기 시작했습니다. 2악장의 애틋한 목가적 멜로디와 스케르초의 변화무쌍한 질감 및 화성에서 사랑스러운 음악성이 돋보였습니다. 그는 '골드베르크 변주곡'에서 그랬듯 적절하게 호흡하고 멈추며 부드럽고 선율적으로 연주하는 순간들을 찾아냈고, 이는 공연에 즉흥적인 창조의 숨결을 불어넣었습니다.


알레그로 모데라토의 4악장 론도에 이르러 임윤찬은 악기에 완벽히 동화되어 매 순간 우아하고 즐거운 연주를 들려주었습니다. 론도 형식은 메인 테마가 반복되는데, 반복될 때마다 장식음과 복잡함이 더해집니다. 임윤찬의 손에서 이 사랑스러운 테마는 아이들의 태엽 장난감이나 똑딱이는 골동품 시계를 연상시키며 변주가 거듭될수록 믿기 힘들 정도로 맛있게 변해갔습니다. 그는 이 모든 것을 여유롭게, 그러면서도 탁월한 미감으로 처리했습니다. 루바토 기법과 성부 간의 미묘한 시차를 이용해 유머와 완벽한 타이밍을 가미했고, 마지막 음까지 정말 매력적인 효과를 만들어냈습니다. 그때쯤엔 '야수'에 대한 걱정은 잊혔고 관객들은 완전히 매료되었습니다. 이 론도 하나만으로도 그가 왜 수많은 곡 중 이 곡을 선택했는지 충분히 이해가 갈 만큼 경이로웠습니다. 하지만 이날의 가장 놀라운 무대는 아직 시작되지 않았습니다...


임윤찬은 자신의 여정과 음악, 그리고 우주에 대한 관점을 우리에게 들려주고 싶어 합니다. 수년간 그의 연주를 지켜본 결과, 그는 거대한 건축적 '청사진'을 그려 장엄한 정점으로 이끄는 대작들에 특별한 애착이 있음이 분명해졌습니다. 특히 리사이틀의 2부나 협주곡의 마지막 악장에서 이를 즐깁니다. 우리는 라흐마니노프 3번, 초절기교 연습곡, 쇼팽 연습곡 Op.25, 전람회의 그림, 골드베르크 변주곡에서 이를 보아왔습니다. 임윤찬은 작품을 영웅적인 서사시로 탈바꿈시켜, 비천한 시작부터 시련과 도전을 거쳐 초자연적이고 신성한 힘과 함께 기념비적인 승리에 도달하는 인생의 여정을 묘사합니다.


이러한 예술적 목표를 달성하기 위해, 임윤찬은 스크랴빈의 소나타 2, 3, 4번을 하나의 거대한 작품으로 연결하는 천재적인 수법을 발휘했습니다.


스크랴빈은 독특하고 매혹적인 작곡가입니다. 그의 작품은 평범함에서 비범함으로, 자연에서 초자연으로, 지상의 존재에서 고차원의 빛의 영역으로 나아가는 여정을 기록합니다. 그는 음악과 철학적 시를 결합한 예언자적 신비주의자였으며 늘 더 높은 수준의 깨달음을 갈망했습니다. 히말라야 산맥에서 일주일 동안 조명 쇼와 음악이 어우러지는 '미스테리움(Mysterium)'이라는 대작을 구상하기도 했죠.


그의 작곡 진화는 교향곡에서도 드러납니다. 예술의 변혁적 힘을 찬미한 1번, 전통적인 2번을 거쳐 전통을 탈피한 3번('신성한 시'), 그리고 '법열의 시'와 '프로메테우스: 불의 시'로 이어집니다. (꼭 들어보시길 권합니다!)


스크랴빈의 피아노 소나타 10곡 또한 비슷한 여정을 따릅니다. 전통적인 1번에서 달빛과 바다의 낭만적 비전(2번), 영혼의 상태 묘사(3번), 빛과 환희의 고차원(4번), 창조적 정신의 소환(5번), 그리고 우주적 신비(9번)와 순수한 에너지의 진동(10번)에 도달합니다.


임윤찬은 2, 3, 4번을 결합해 지상의 달빛과 깊은 바다에서 시작하여, 영혼의 고양을 거쳐 신성한 별로 향하는 8악장의 대서사시를 만들었습니다. 스크랴빈 자신도 이 구성을 열렬히 지지했을 것이라 확신합니다.


스크랴빈은 라흐마니노프처럼 소리를 색깔로 인식하는 공감각을 가졌습니다. 임윤찬은 위대한 피아니스트답게 피아노 위에 방대하고 화려한 색채의 팔레트를 펼쳐 보였습니다. 그는 스크랴빈이 바랐을 모든 것을 음악에 불어넣었습니다.


임윤찬은 '애무하는 달빛'과 '먼 파도 소리'가 들리는 '남쪽 바다 밤의 고요'(2번 1악장)와 '폭풍우 치는 바다의 광활함'(2번 2악장)을 소환했습니다. 이어 '자유롭고 야성적인' 영혼이 '슬픔과 투쟁의 소용돌이'(3번 1악장) 속에서 '덧없는 환상적 휴식'(3번 2악장)을 찾고 '부드러운 감정과 사랑의 바다에 표류'(3번 3악장)하는 영혼의 상태를 보여주었습니다. 슬픔과 평화를 맛본 후, 필멸의 굴레를 벗어나려는 '열광적인' 사투와 '영혼의 외침'이 이어지지만, 깨달음에 도달하지 못한 채 비극적 붕괴로 끝을 맺습니다(3번 4악장). 마침내 자유를 향한 여정이 시작됩니다. "가벼운 안개 속의 투명한 별! 저 푸른 신비가 나를 이끄네!"(4번 1악장) "나의 열망을 가져가다오! 빛의 파도 속으로 뛰어드노니! 환희의 바다, 태양의 불꽃이여!"(4번 2악장). [인용구는 곡에 대한 스크랴빈 자신의 말입니다.]


임윤찬은 이 모든 것을 눈부신 색채와 한계 없는 기교, 시적 서정성, 그리고 상상력으로 그려냈습니다. 그 장인정신과 기술적 성취는 경이로웠고 때로는 충격적이기까지 했습니다. 4번 소나타 2악장의 믿기 힘든 명료함과 정확성에 대해 구체적으로 말할 수도 있겠지만, 그의 거대한 예술성 앞에서는 그런 지엽적인 언급이 무의미해 보입니다. 이 연주는 그저 직접 들어야만 하는, 완전히 다른 차원의 것이었습니다. 그리고 임윤찬은 스크랴빈을 위해 정말 옳은 피아노를 골랐습니다. 그의 손에서 이 악기는 스크랴빈을 위한 독보적인 힘과 울림을 뿜어냈습니다. (데카 레이블이 가끔 고풍스러운 소리를 내기 위해 소리를 뭉개는 실수를 범하지 않기를 바라며, 차라리 도이치 그라모폰(DG)의 충실한 녹음으로 듣고 싶군요.)


다시 한번 말하지만, 저는 이 공연을 역대 최고의 스크랴빈 해석 중 하나로 꼽습니다. 임윤찬은 다시 한번 '역사적'이라는 최상급의 단어를 떠올리게 합니다. 이제 그가 예술적 창조의 본질을 여는 5번 소나타부터 10번까지 모두 연주할지 벌써 기대가 됩니다. 스크랴빈의 다음 프로그램을 위한 티켓을 사고 싶어 미칠 지경입니다!


마지막으로 앙코르가 왔습니다. 전통처럼 그는 단 한 곡의 앙코르, **라흐마니노프의 '보칼리제'**를 선사했습니다. 임윤찬은 1937년 쇼팽 콩쿠르 우승자 야코프 자크(Yakov Zak)의 1950년대 녹음에서 영감을 얻은 것으로 보입니다. 이 편곡은 출판되지 않은 것으로 알고 있는데, 임윤찬은 오로지 귀로 듣고 이 복잡한 편곡을 재현해냈으며, 심지어 자크의 연주보다 더 섬세하게 보완하고 개선했습니다. 이는 그가 과거 코른골트의 곡에서 보여주었던 아름다운 작업들을 떠올리게 합니다.


라흐마니노프는 스크랴빈의 초기 옹호자였습니다. 이번에도 임윤찬은 매우 사려 깊게 앙코르를 골랐습니다.

슈베르트가 끝났을 때의 반응도 좋았지만, 스크랴빈이 끝나자 천둥 같은 기립박수와 환호가 터져 나왔습니다. 앙코르가 끝난 후에도 관객들은 그를 보내고 싶어 하지 않았습니다. 저 역시 마찬가지였고요.


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