임윤찬의 변화무쌍한 상상력이 풍부한 질감의 카네기 리사이틀에서 자유롭게 펼쳐지다
By David Wright

모차르트의 친구였던 작곡가 디터스도르프는 한때 그의 동료 음악에 있는 “놀라운 아이디어의 풍부함”을 언급하며, 이어 “그가 그것들을 그렇게 너무많이 사용하지 않았으면 좋겠다. 그는 청자를 숨차게 만든다”고 덧붙였다.

금요일 카네기홀에서 열린 임윤찬의 리사이틀에서 청중은 충분히 숨을 쉬고 있는 듯 보였지만, 피아니스트가 슈베르트와 스크리아빈의 소나타 거의 모든 마디에서 새로운 해석을 끊임없이 만들어내고, 종종 현기증이 날 만큼 빠른 템포로 연주했기 때문에 그의 풍부한 상상력을 따라가는 일은 쉽지 않았다.

그러나 이 한국인 연주자는 18세에 Van Cliburn 콩쿠르 역사상 최연소 금메달리스트가 된 이후 줄곧 움직여 온 젊은 인물이다. 그것은 4년 전의 일이며, 다른 많은 클라이번 우승자들과 달리 임은 곧바로 국제 피아니스트 A급 명단의 정상으로 올라갔다.

그를 그 위치에 머물게 한 특징들은 금요일에도 분명히 드러났다. 눈부신 기교뿐 아니라, 강한 전달력을 지닌 프레이징과 풍부한 음색에서도 그러했다.

프로그램에는 스크리아빈의 소나타 2번이 포함되어 있었는데, 작곡가는 이를 “소나타-환상곡”이라 불렀다. 임의 손에서는 다른 모든 작품들 역시 소나타-환상곡이 되었으며, 베토벤의 영향을 받은 슈베르트의 D장조 소나타 D.850조차도 그러했다. 순간의 영감이 소나타 형식의 구조보다 우선하는 경향이 있었기 때문이다.

슈베르트 1악장에서 삼연음의 질주는 “조금 더 느리게”라고 표시된 종소리 같은 구절에서 잠시 멈춘다. 극적인 대비를 선호하는 임은 이를 훨씬 더 느리게 연주한 뒤, 다시 이 알레그로 비바체의 질주로 돌아갔다. 약 40분짜리 연주가 충분히 길다고 판단한 듯, 그는 제시부 반복을 생략하고 발전부로 들어가기 전에 슈베르트의 주제들을 더 숙고할 기회를 건너뛰었다.

젊은 나이에서 오는 조급함이 Con moto 느린 악장에서의 리듬 왜곡에도 작용했을 수 있다. 그는 주제의 짧음-짧음-짧음-김 패턴에서 긴 음을 지속적으로 짧게 만들었다. (이 오류는 박자를 세면 쉽게 바로잡을 수 있지만, 많은 피아니스트들과 지휘자들이 실제로 범한다.) 그러나 임은 성부 처리와 흐름 변화에 대한 감각으로 그러한 문제를 잊게 만들었고, 길고 반복적인 악장을 즐거움의 정원으로 바꾸었다.

스케르초의 딱딱하고 끊기는 화음과 가벼운 응답 사이의 음색 대비는 너무 커서 같은 작품처럼 들리지 않았다. 다시 말해 작은 규모의 효과들이 전체적인 시야를 가렸다. 그러나 그 효과들은 인상적이었다—공격적인 주제가 갑자기 유혹적으로 변하고, 레가토 화음으로 이루어진 온화한 트리오가 거대한 울림으로 팽창했다.

피날레의 작은 도약 주제는 틱톡 반주와 함께 슈베르트의 가장 “순진한” 양식에 속한다. 임은 이를 완전히 성숙한 표현으로 치장하려는 유혹을 완전히 거부하지는 않았고, 그로 인해 뒤따르는 레가토 서정 에피소드와의 대비 일부를 빼앗았다. 그러나 론도 주제가 돌아올 때마다의 변주는 재치와 매력으로 처리되었고, 마지막에는 놀랄 만큼 인상적인 피아니시모 스케일의 분출로 마무리되었다.

인터미션 이후 연주된 세 개의 스크리아빈 소나타는 슈베르트 한 곡보다 짧은 연주 시간이었다. 임은 이를 연대순으로 배치했고, 박수로 끊지 않고 연주했다: 1897년의 2번과 3번, 그리고 1903년의 4번이다. 이 순서에서 “중기 스크리아빈”이 초기 쇼팽 영향에서 벗어나며, 라흐마니노프가 감탄했던 밀도 높으면서도 선율적인 피아노 질감을 만들어내는 과정을 들을 수 있었다. 이는 마치 세네 손 혹은 네 손이 필요한 듯한 음악이다.

생생한 터치와 성부 감각을 가진 임은 이 복잡한 음악에 적합한 연주자처럼 보였다. 작곡가가 바다의 변화하는 색채와 분위기에서 영감을 받았다고 한 G#단조 소나타 2번 Op.19의 느린 서주는 그의 손에서 형광처럼 빛나는 조류처럼 들렸다. 뚜렷한 성부들—강하거나 희미한—이 투명한 피아니시모에서 해양적 포르티시모까지의 분위기 속에 모였다. 마지막 프레스토는 폭풍을 불러왔고, 질주하는 바람과 천둥 같은 베이스 옥타브 속에서 선율의 조각들이 날아갔다.

소나타 3번은 “Drammatico”로 시작하며 폭풍이 억제된 상태를 암시했지만, 그 억제는 거의 유지되지 않았다. 변화가 많은 알레그레토에서 피아니스트는 자주 자신의 연주를 감상하듯 멈추는 듯했지만, 빠른 부분들은 형태와 추진력을 지니고 있었다.

안단테의 인상주의적 노래는 풍부한 음향 속에서 전개되었고, 테너와 베이스 성부가 엮이며 가까이 혹은 멀리 들렸다. 프레스토 피날레의 음표의 격류는 반음계적으로 하강하는 선율을 그렸으며, 이는 쇼팽과 라흐마니노프에서 빌려온 숙명적 은유이다. 어둠 속에서 수수께끼 같은 구절이 빛나는 조용한 순간 이후, 소나타는 황홀한 화음과 옥타브의 폭발로 끝났다.

약 8분 길이의 소나타 4번은 시작부터 여러 손이 동시에 연주하는 듯한 효과로, 새의 울음, 트릴, 짧은 소리들이 뒤섞인 가운데 화음 주제가 떠돌았다. 새들은 무중력의 프레스티시모 볼란도에서 날아올랐고, 피아니스트는 부드러운 소용돌이 속에서 화음 악센트를 튕겨냈다. 반복 화음이 거대한 마지막 크레셴도를 만들어냈고, 피아노의 포효는 청중의 환호와 맞섰다.

앵콜에 있어서 임은 올드 스쿨 방식을 따랐다. 한 곡을 연주하기 전 다섯 번 무대에 다시 등장했다. 앵콜은 라흐마니노프의 ‘보칼리제’였으며, 충분한 루바토와 음량의 팽창으로 임 특유의 방식으로 연주되었고, 대선율들이 섬세하게 층을 이루었다.


The Sonata No. 3 opened “Drammatico” with a feeling of a storm in abeyance, but barely so. In a much-inflected performance of the Allegretto, the pianist seemed to pause often to admire his handiwork, but faster sections had shape and thrust.

The impressionistic song of the Andante unfolded amid lush sonorities, with tenor and bass voices woven in, sounding near or distant. The Presto finale’s torrent of notes outlined a chromatically descending melody, a fatalistic metaphor borrowed from Chopin and Rachmaninoff. After a hushed moment with an enigmatic phrase glowing in the dark, the sonata concluded in an ecstatic explosion of chords and octaves.

The brief Sonata No. 4, just eight minutes from start to finish, began with another multi-hand effect, a birdy welter of calls, trills and peeps, through which a chordal theme wandered. The birds took wing in the weightless Prestissimo volando, the pianist flicking out chordal accents in the soft whir, until repeated chords brought on the massive final crescendo, and the piano’s roar was matched by the audience’s ovation.

Lim was old school when it came to encores, returning to the stage five times before granting a single extra piece: Rachmaninoff’s Vocalise, inflected Lim-style with plenty of rubato and swells, and finely layered with countermelodies.
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