[📚정보] 혼자 사운드 작업하는 당신이 알아야 할 꿀팁 14 - 프로듀싱(4)

[parsera..(dorisgamja)]

다들 안녕 개발은 잘 되어가고 있어? 

오늘은 FM 신세시스를 다루기 전에 쉬어가는 겸 곡을 더 풍성하게 들리게 하는 방법을 말해보려고 해. 

직접 배경음악을 만드는 개발자들 중에는 자기 음악이 뭔가 허전하고 허접ㅋㅋ하게 들린다고 느낀 사람도 있을거야. 

레퍼런스로 삼은 곡을 들어보면 피아노 한 대에 리듬악기 한 두개 정도 쓴 것 같고, 

내 곡이랑 악기 구성도 비슷한데 왜 내 곡은 이렇게 들리지 싶을 수도 있고. 

어떤 작곡가는 트랙 수(악기 수)를 늘리는 게 답이라고 하는데, 나는 꼭 그게 정답만은 아니라는 걸 말하고 싶어. 

40트랙 이상을 쓴 곡보다 20트랙 미만으로 쓴 곡이 더 풍성하게 들릴 때도 있거든. 

그럼 몇 가지 방법을 소개해볼게. 

1.사운드 디자인

곡을 쓸 때 가장 중요하게 생각하는 부분이야. 시중 악기 중에서도 좋은 소리를 내는 게 많긴 해. (콘탁같은 것들은 많이 쓰기도 하고) 

하지만 일반 가상악기를 쓸 때 크리티컬한 단점은 신중하게, 세련되게 어레인지를 하지 못하면 곡의 단점이 너무나도 선명하게 보인다는 것. 

특히 피아노같은 기본 악기를 쓸 때 더 그래. 오케스트레이션은 말할 것도 없고. 기본 내장 악기를 포스트 프로세싱 없이 쓸때도 마찬가지. 

그럼 도대체 어떻게 해야 좋을까? 

첫 번째, 신세시스를 통해 나만의 악기를 만든다. 이건 곡의 정체성을 사운드 개성으로 삼는 거야. 

그러면 어레인지가 살짝 빈약해도 사운드의 캐릭터로 어느정도 상쇄할 수 있어.

다만 이 방법을 사용하기 위해서는 내가 원하는 소리, 좋아하는 소리가 무엇인지에 대해 이해하려는 자세가 필요해. 

그냥 좋게 들리는 소리 만들어야지-라는 추상적인 목표로는 사운드 디자인을 하기가 어려워. 

가능하면 악기군(리드, 스탭, 플럭, 퍼커션, 코드, 패드 등등)을 미리 정해두고 기본 문법에서부터 접근하는 것이 좋아. 

두 번째, 상용 악기를 사용할 때는 사운드 이펙트(리버브, 딜레이, 디스토션, 등등 - 나중에 다룰게)로 포스트 프로세싱을 해서 사운드에 포인트를 주는 것. 

이펙트 체인을 구성하는 방법은 순전히 자기 마음이니까 한 번 실험해봐. 

2.리듬 활용하기 

개인적으로 작곡에서 가장 중요하게 생각하는 요소는 리듬이야. 

멜로디를 꼽는 사람도 있겠지만 결국 멜로디에도 내재된 리듬이라는 게 있거든. 

리듬을 잘 짜는 방법은 입으로 소리를 내 보는 거야. 쿵짝 쿵짝만 하면 재미없겠지? 

쿵짝 쿵   짝 쿵짝 쿵 등등 웃기겠지만 한 번 연습해봐. 

고스트노트라는게 개념도 있는데 메인 리듬에는 관여하지 않지만 자기만의 액센트를 가지고 있는 리듬이야. 

리듬 구성을 더 풍성하게 할 때 사용해. 

완전히 다르기는 하지만 폴리리듬이라는 개념이 있어. 모노/폴리 할 때의 그 폴리야. 

여러개의 다른 리듬이 동시에 연주될 때 만들어내는 리듬을 말하는데 gamelan music 등에서 들어볼 수 있어. 

폴리리듬을 사용하면 곡의 구조가 훨씬 정교해질거야. 

리듬파트를 구성할때는 각각의 악기가 함께 맞물려 돌아간다는 느낌이 아주 중요해. 

따로 노는게 아니라 서로 맞물려서 함께 어떤 그룹을 형성한다고 생각하고 작업해봐. 

물론 이것도 귀로 듣고 판단하는 거라 연습이 필요해. 

3.SFX활용하기

생각보다 음악에는 많은 fx가 쓰여. 

곡의 각 부분이 다른 파트로 전환될 때는 거의 항상 쓰인다고 보면 돼. 악기 구성을 확 빼서 공간을 만드는 게 아닌 이상. 

이때 쓰이는 fx종류에는 riser, sweep, impact, thud, sub drop 등등이 있으니 한 번 검색해봐. 

FX를 꼭 전환점에 딱 맞춰서 둘 필요는 없어. 한 박자 느려도 되고 빨라도 되는데 대신 최적의 시점은 본인이 찾아야겠지. 

4.Call and Response 

피상적으로 음악에 접근하면 음악은 음악이지 라고만 생각하게 돼. 

하지만 게임을 포함한 다른 모든 예술과 마찬가지로 음악은 커뮤니케이션이야. 

나의 의도를 듣는 사람/감상자/플레이어에게 어떻게 전달하느냐가 가장 중요한 지점 중 하나라는 것. 

의도를 전달하는 방법은 상대방의 기대를 조절하는 거야. 

이런 멜로디가 나온 다음에는 이런 멜로디가 나오겠구나 

이런 리듬이 나온 다음에는 이런 진행이 시작되겠구나 

사람들의 기대를 충족시켜주는 거지. 

물론 이 기대를 신선하게 꺾는 것도 중요해. 

이럴 줄 알았는데 이렇게 변한다고? 신기하다. 라는 반응을 이끌어내는 식으로. 

Call and response는 기대감 조절과는 조금 다른 개념이기도 하고 설명하기 살짝 어려운 개념이기도 한데 한번 해볼게. 

어떤 메인 리듬 패턴(Call)을 만들었다고 하자. 그럼 이제 그 리듬에 반응하는 리듬 패턴(Response)을 만드는 거야. 

서로 대화하듯이 주고 받는 관계를 만들어 준다고 생각하면 돼. 

멜로디도 마찬가지야. 한 멜로디가 뭔가를 연주하면(Call) 그 멜로디에 반응하는 멜로디나 코드, 리드로 그 멜로디에 응답하는거지. 

5.Active Listening 

위에 쓴 모든 것들은 액티브 리스닝(능동적 듣기)을 전제로 해. 

음악을 그냥 듣는 게 아니라 분석하면서 능동적으로 듣는 거야. 

어떤 악기를 썼을까? FM신세시스를 이용해서 만든 소리일까? 

아날로그 신스를 사용했나? 파형은 뭘까? 레조넌스는 어떤가? 한 파트에 악기는 몇 개 들어갔을까? 

악기들은 무슨 기능을 하고 있을까? 베이스는 어떻게 들리지? 필터는 열리고 있나? 닫히고 있나? 

코드 패드를 썼을까? 코드 스탭을 썼을까? 플럭 디케이는 몇 ms정도지? 어택은 얼마나 길지? 

분명 처음부터 이 모든 질문을 다 할 수는 없어. 다 들리지도 않을 거고.

음악의 BPM을 세고, 악기를 레이어별로 들어보는 연습부터 시작해봐. 

그럼 언젠가는 들리기 시작할거야. 

듣는 만큼 음악을 잘 만들 수 있다고 생각해. 

제대로 듣지 않으면 계속 빈약한 음악을 만들 수 밖에 없어. 

이건 단순히 음악을 좋아하는 것과는 별개의 이야기야. 

음악을 많이 듣는다고 잘 듣는 건 아니거든. 

오늘 글도 도움이 되었기를. 

하다보면 게임에 딱 맞는 BGM을 만들 수 있을 거야!

그럼 개발도, 작곡도 화이팅!

질문은 언제나 환영이야.

[감자마법(gamjamage)]

멋진 글이다 아트 이론 공부할때 생각나네 좋은글 고마워!