[신간📰] 대충 이런 느낌으로 미학 입문글 쓰고 있는데 싹 갈아엎을 것...

[Decisio..(jsm1234567)]

  미학에 관심은 있는데 당장 독서를 시작하기에는 부담스러운 사람들을 위해서 최대한 간단하게 미학에서 쓰이는 기본적인 개념들을 정리해 보려 함.

  레퍼런스를 달아가면서 하는 자세한 설명이 아니라 그냥 미학에서 어떤 걸 주제로 이야기하느냐에 가까운 얘기가 될 거고... 나도 미학을 아주 잘 아는 편은 아니기 때문에 틀린 내용도 많을 수 있음. 그리고 엄청 간단하게 쓰는 거라 내용이 많이 부족하기도 하고.

  그러니 어디 가서 여기서 읽은 걸 써먹긴 힘들 것.... 여기서 설명하는 내용은 대충 입문을 위해 필요한 기본 지식 쯤이라생각하고 읽어준 다음, 미학 개념들을 제대로 다루는 책들을 읽어 봤으면 좋겠음.

  내가 추천하는 미학 책은 서울대 출판원에서 나온 <미학대계> 시리즈, 미술문화에서 나온 <타타르키비츠 미학사>, 문학과지성사에서 나온 아도르노의 <미학 이론>임. 입문하기에는 <미학대계>가 가장 좋고 미학사적인 디테일은 <타티르키비츠 미학사>가 가장 충실하며, 미학의 개념들 그 자체에 대한 깊이 있는 사유는 <미학 이론>이 최고. 각자 장단이 있는 책들이니 모두 읽어보는 것도 좋음. 아니면 여기서 소개하는 개념들을 한번씩 구글링 해보는 것도 괜찮고...

  목차는 'I. 미학의 기본 개념들' -> 'II. 미학과 예술작품의 가치' -> 'III. 현대미학의 화두' -> 'IV. 미학의 방법' 순으로 나갈텐데, I에서는 전통적으로 중요하게 다루어진 미학의 개념들을 소개하고, II에서는 미학과 가치평가의 문제를 다룰 생각. III에서는 근래의 순수미술계나 문단문학 등에서 자주 나오는 주제들 중 몇 개를 순전히 내 취향따라 골라잡아서 이야기해볼 생각이고, 마지막으로 IV에서는 분석미학이나 현상학적 미학처럼 대표적인 미학적 방법론들을 소개할 생각. 너무길어져서 1부는 I를, 2부는 II와 III를, 3부는 IV를 나눠서 올리는 방향으로 갈 예정....

  아 참. 미학에는 다양한 입장들이 있고, 그중에서 내가 전제하고 있는 입장은 칸트와 독일 관념론, 그리고 비판이론으로이어지는 관념론 + 사회학 계열의 입장에 가까움. 현상학을 중요한 미학적 방법론으로 사용하는 분들도 많고 분석미학도요즘은 더러 보이는데, 그런 입장들이랑도 균형을 맞출 수 있도록 쓸 생각이지만 완전히 중립적일 수는 없을 것....

I. 미학의 기본 개념들

미학

  간단히 말해, 미학은 아름다움에 관한 담론이다.

  당연하지만 이런 식의 단순화된 정의는 미학이라는 담론이 포괄하는 복잡하고 다양한 주제들을 이해하는 데는 거의 도움이 되지 않는다. 이를테면 현대의 미학자들 중 누구도 미학이 순전한 '아름다움'에 관한 담론이라고 생각하지 않는다. 현대 미학에서는 추와 불쾌와 슬픔이 아름다움과 행복과 기쁨만큼이나 중요한 테마로 다루어진다. 또한 '아름다움'이라고하더라도 미학자들마다 자기 미학의 중심으로 삼는 주제가 모두 다르며, 누군가는 음악을, 누군가는 문학을, 누군가는 회화와 조형을 아름다움의 전형으로 삼는다. 더군다나 미학은 이제 문화에 대한 사회학적인 분석과 분리하여 생각하기 어려운 주제가 되었으며, 문화사회학이라는 새로운 연구분야의 대두나 문화비평의 일반화는 이러한 추세를 반영한다. 따라서 '미학은 어떤 것이다'라는 정의를 금과옥조처럼 떠받들기보다는, 현대미학이 관심을 갖는 주제는 다양하며 서로 다른주제들이 미학이라는 하나의 카테고리로 느슨하게 묶여 있다는 점을 기억할 필요가 있다.

  그럼에도 미학에서 중요한 것 한 가지를 꼽을 수는 있다. 나는 미학이 근본적으로 '미적인 것이란 무엇인가'에 대한 물음이라고 믿는다. 비록 '미적인 것'의 범주가 아름다운 것에서 추한 것으로, 비극적인 것에서 슬픈 것으로, 행복한 것에서 불행한 것으로 넓어져 오기는 했으나, 미학이 언제나 '미적인 것'의 개념에 대해 질문하고 있다는 사실을 부정할 수는 없다. 문학과 회화와 음악은 전혀 다른 장르지만 우리는 그 셋을 모두 '예술'이라고 일컫고, 그들 각자에서 각자의 '미적인 것'을찾아낸다. 그런 점에서 본다면 미학자의 자질이란 특정한 대상으로부터 '미적인 것'을 읽어낼 수 있는 태도라고 해도 과언이 아닐 것이다. 미학에 관심이 있다면 어떤 대상이든 그것을 바라보며 스스로 물어보는 것이 좋다 - '무엇이 저것을 미적인 것으로 만드는가?' 하고.

형식과 내용

  가장 먼저 형식과 내용에 대해 이야기하는 것으로 본론을 시작하고자 한다. 형식과 내용이라는 두 카테고리의 구분만큼본론의 서두로 삼기에 적절한 주제는 없는 것 같다.

  우리는 어떤 것이 '형식적으로 아름답다'는 말을 일상적으로 사용한다. 그러나 형식미란 사실 두루뭉술한 표현이며 그것을 정확히 이해하기란 어렵다. 도대체 내용과 구분되는 형식적 아름다움이란 무엇이며, 그것이 어째서 미학에서 핵심적인 문제가 되는가?

  이에 대한 가장 고전적인 예시는 꽃의 아름다움에 대한 칸트의 분석일 것이다. 꽃의 형식적인 아름다움은 그것의 선명한색깔, 절묘한 비례와 조화, 자연스러운 곡선 형태의 아름다움 등에서 온다. 반대로 꽃의 내용적인 측면은 그것의 현실적 존재로, 이를테면 그것이 식물의 생식기관이며 색•조화와 비례•형태 등은 그 기능을 위한 일부의 특징이라는 사실이라 할수 있겠다. 우리는 꽃의 형식적 아름다움을 선호할 뿐 그것의 내용적 측면 때문에 꽃을 아름답다고 말하지는 않는다.

  그런데 이런 분석에는 한 가지 의문이 남는다. 과연 칸트가 꽃의 형식적 아름다움이라고 말하는 부분과 꽃의 내용적 측면이라고 하는 부분이 명료하게 구분 가능한 것인가? 꽃의 색깔을 내는 색소가 없다면 꽃은 아름답게 빛날 수 있는가?

  이런 의문은 합당하며, 모든 미적 대상들은 형식과 내용의 종합으로 존재한다고 해야만 할 것이다. 예술작품의 아이러니는 그것이 형식적 아름다움을 통해 끊임없이 내용을 배반하고자 하지만 근본적으로는 내용적 측면에 종속되어 있을 수밖에 없다는 사실로부터 나온다. 예술가는 우리의 경험세계로부터 유리되어 있는 형식적 아름다움을 추구하지만 그러한 현실 배반은 원론적으로 불가능하다.

  형식은 예술작품의 정신이며 달리 말하면 예술이 예술이도록 하는 것이다. 내용이 대상의 사물적 전체적 측면이라면 형식은 그 사물적 측면을 연결짓고 변형시켜 드러나는 정신적 측면이다. 그러나 현실적 존재자인 예술작품에서 이 두 측면은 늘 공존하며, 그것이 예술작품인 이상 순수한 내용이나 순수한 형식은 존재할 수 없다. '예술작품 = 내용 + 형식'이라고하는 도식은, 비록 비판의 여지는 있을 수 있지만 여전히 작품 분석의 기본이 되는 것으로 기억해둘 가치가 있다.

예술작품의 정신

  예술작품이 정신이라고 하는 것은, 데카르트의 이원론적 세계관이 그런 것처럼 물질의 세계로부터 유리되어 있는 정신의 세계라는 실체를 가정하는 것은 아니다. 오히려 그것은 예술작품이 현실에 근거를 두고 있되 현실을 배반하려는 것, 무에서부터 유를 창조하는 신의 창조를 모방해내는 인간의 창조물이라는 사실을 뜻한다.

  정신이라는 실체를 가정하지 않더라도, 예술작품에 정신적인 측면이 있다는 말을 하는 것에는 무리가 없다. 이를테면 우리는 단순히 특정한 음의 반복적 나열에 불과한 음악 작품으로부터 비극미나 조화미 따위를 읽어내는데, 이것은 음악 작품에 '단순한 음의 반복'이라는 물질적 측면과 대비되는 정신적 측면이 있음을 시사한다. 보다 이해하기 쉬운 예시를 들자면, 전자책으로 출판된 <카라마조프 가의 형제들>과 종이책으로 출판된 <카라마조프 가의 형제들>이 서로 다른 작품이라고 생각하는 사람은 없을 것이다. 예술작품에는 그 질료적인 측면과 구분되는 정신적인('형상적인') 측면이 있는데, 그것을 이원론적 세계관을 전제하는 형이상학적 입장과 혼동해서는 곤란하다. 내가 자주 드는 비유는 컴퓨터 하드웨어와소프트웨어의 구분으로, 소프트웨어는 하드웨어 없이는 구동될 수 없지만 그렇다고 해서 그것이 하드웨어 그 자체인 것은 아니다. 예술작품의 정신이란 컴퓨터에 있어서의 소프트웨어와 비슷한 것이다.

  전통적으로 미학자들은 음악을 가장 정신적인 예술이라고 생각했으며, 그것은 음악이 그 소재가 되는 음의 물질적인 속성과 상대적으로 적게 연결되어 있는 예술이라 생각되었기 때문이다. 반대로 우리가 요리를 예술로 본다면, 전통적인 미학자들은 그것을 가장 물질적인 예술이라고 할지도 모르겠다. 요리에는 분명히 정신적인 측면이 있지만, 결국 우리에게만족감을 주는 것은 질료적이고 감각적인 측면의 역할이 크기 때문이다. 질료와 정신의 이런 대립은 장르들 사이에서만나타나는 것이 아닌데, 예로 같은 회화라 해도 인상주의가 보다 감각적인 예술로 여겨진다면 구성주의는 보다 정신적인(이 경우에는 특히 '수학적인') 예술로 여겨진다.

소재와 재료

  소재 혹은 재료는 예술작품이 바탕을 두고 있는 물질적인 대상들로, 예술가는 경험 세계의 사물들인 소재를 바탕으로 경험 세계의 것 이상인 예술작품을 만들어낸다. 위의 단락에서도 말한 것처럼, 예술작품은 정신이며 언제나 경험세계를 배반하려 하지만 한편으로는 그 물질적인 소재에 종속되어 있을 수밖에 없다. 이를테면 조각을 한다고 할 때, 그 물리적 소재로 대리석을 선택한다면 그것은 작품의 형식적 • 정신적인 구조에 있어서 역시 결정적인 영향을 미칠 수밖에 없다. 예술은 소재로부터 자유로워지기를 갈망하지만 그것이 뿌리내리고 있는 경험 세계의 한계에서 결코 자유로울 수 없다는 점에서 태생적으로 아이러니하다.

내면과 표현

  표현은 일반적으로 예술가의 내면과 심리가 예술작품을 통해 드러나는 것을 뜻한다. 표현론을 따르는 미학자들 - 대표적으로 콜링우드 - 은 예술작품이란 예술가의 내면이 특정한 기법과 소재를 통해 '물리적으로 외화된' 대상이라고 말한다. 표현론적인 관점에 따르면 예술작품에서 중요한 것은 그것의 소재가 아니라 그 소재를 통해 드러나는 내면이 될텐데, 앞서 말한 것처럼 이런 관점은 예술작품이 소재에 종속되어 있을 수밖에 없다는 점에서 한계가 있다.

  내면과 표현이라는 개념은 예술작품의 '깊이'와도 연결된다. 우리가 어떤 작품에는 깊이가 있는 반면 어떤 작품에는 깊이가 없다고 말할 때, 일반적으로 작품의 깊이감이란 예술가의 내면이 예술작품 속에서 얼마나 잘 표현되고 있는가를 평가하는 척도로 쓰인다. 어떤 미학자들은 깊이와 표현을 연결짓는 관점에 반대하기도 하지만, 어쨌거나 일반적으로 작품에 '깊이가 없다'고 말할 때 우리는 작품의 표현적인 측면이 빈약하다고 지적하는 것이다.

미메시스와 재현

  미메시스는 모방이라는 의미로, 플라톤은 예술이 이데아의 모방인 현실세계에 대한 재모방이라고 생각했다. 엄밀하게봤을 때 서로 같은 의미는 아니지만, 오늘날에는 재현(represent), 즉 다시(re) 표현함(present)이라는 용어가 미메시스라는 용어를 거의 대체하게 되었다.

  플라톤이 예술의 미메시스적인 측면에 주목했으며, 반대로 아리스토텔레스는 예술가의 상상력을 보다 중시했다는 것은잘 알려진 도식이다. 오늘날 이런 도식에는 의문의 여지가 있지만, 예술작품의 창조적 측면과 재현적 측면 사이의 긴장이라는 주제는 여전히 중요한 화두로 남아 있다.

  그런데 미메시스와 재현의 문제는 그리 간단하지만은 않다. 보르헤스의 단편 <바벨의 도서관>에는 모든 언어로 된 모든가능한 문장들이 나열된 무한한 도서관이 등장하는데, 당연하지만 바벨의 도서관은 무의미한 문자들의 무더기와 다르지않다. 거기서 의미 있는 작품을 찾아내는 것보다는 원숭이가 아무렇게나 타자기를 두드린 것이 고금 제일의 명작이 될 가능성이 더 높을 것이다. 그러나 이 예시에서 중요한 것은 바벨의 도서관이 무의미한 무더기라는 것이 아니라, 그것이 드러내는 예술작품의 미메시스적 성격이다.

  우리는 예술가의 창조력이라는 말을 쉽게 사용하지만, 그들이 창조하는 것은 사실 이미 창조된 것을 다시 따라하는 것이다. 예술가들은 무에서 유를 창조하는 신의 창조행위를 모방하려 하지만 그것은 실제로는 무로부터의 창조일 수 없다. 어떤 의미로는 예술가는 창조하는 것이 아니라 다만 '바벨의 도서관'과 같은 무한한 혼돈에 대해 일정한 조화와 비례를 부여하는 것에 가깝다. 그것이 예술 작품이 갖는 수학적 성격이다. 따라서 가장 창조적이고 독창적으로 보이는 예술일지라도, 그것은 근본적으로는 미메시스의 결과물일 수밖에 없는 것이다.

전통, 기법, 양식

  예술가는 그가 속해 있는 공동체와 문화로부터 영향을 받는다. 아무리 독창적인 예술가라도 특정한 예술적인 전통의 영향에서 벗어나 있을 수는 없으며, 마찬가지로 구체적인 기법 - 기법은 일반적으로 예술 창작을 위해 필요한 기교적며 기술적인 측면을 일컫는다 - 의 영향에서 자유로울 수도 없다.

  양식(style)은 형식(form)과는 다른 의미로 사용된다. 일반적으로 양식이라는 용어는 특정한 시대와 공간에 발흥한 전통과 기법을 포괄해서 말하기 위해 사용되며, '바로크 양식'이나 '큐비즘 양식' 과 같은 용어가 그 예시가 된다.

독창성

  독창성의 범주는 낭만주의적인 천재 숭배와도 연결된 것으로, 특히 독일 관념론자들에게 독창성은 중요한 개념이었다. 헤르더는 천재를 가리켜 '넘치는 힘으로 독창적인 것을 창조해내는 존재'로 표현했는데, 예술가의 독창성이란 규범으로주어진 전통이나 기법의 한계를 넘어서 자기 내면 속에서 새로운 규범을 정립하는 것으로 이해된다. 그러므로 독일 관념론자들에게 독창성이란 전적으로 새로운 것의 창출이라는 유아론적인 의미를 갖기보다는, 오히려 전통을 받아들이고 그것을 다듬어 동적으로 계승하는 과정으로 여겨졌다.

  예술장의 현실을 살펴보더라도, 예술가들은 전형적인 전통과 기법의 영향을 받으면서도 저마다 나름대로의 독창성을추구하는데, 근대 이후의 예술에서 독창성을 추구하지 않는 예술가는 없었다고 해도 과언이 아닐 것이다. 오늘날까지도많은 사람들은 독창성을 예술가를 평가하는 중요한 기준으로 사용하고 있는데, 독창성 자체가 하나의 범례적인 기준이된 상황은 기이한 것이다.

허구성

  예술작품은 허구이며 가상이다. 우리는 예술 작품을 감상하며 그것이 진실하다고 믿는 체를 하지만, 결국에는 그것이 가상이며 막이 내려간 다음에는 허무로 돌아가리라는 사실을 알고 있다. 만약에 예술작품이 진리를 내포할 수 있다면, 그것은 허구 속에서 불분명하게 드러나는 임시적인 진리로만 기능할 것이다.

  예술작품의 허구성은 특히 연극에서 중심적인 주제가 되었다. 브레히트는 소격효과를 내세우면서 관객에게 끊임없이'이것은 현실이 아니다'라고 말하는 연극을 쓰려고 했다. 반대로 어떤 작가들은 허구와 무대의 간극을 넘어서려는 시도를했다. 한트케의 희곡 <관객 모독>은 이런 시도를 극단까지 밀고 나아간 예시인데, 관객에게 배우가 직접 말을 거는 이런작품에서조차 무대와 현실 사이의 거리는 쉽게 허물어지지 않는다. 예술작품이 허구라고 하는 것은 부정할 수 없는 사실이며, 그것을 얄팍한 눈속임으로 뛰어넘으려고 하는 것은 무기력한 시도가 되기 쉽다.

자연미와 예술미

  자연미와 예술미 범주의 구분에는 다소 모호한 감이 있다. 원론적으로 말하자면, 자연미는 그 자체로 인간에게 미적인만족감을 주기 위해 창조된 것이 아니며, 반대로 예술작품은 특정한 의도를 갖고 창조된 것이기 때문에 서로 구분된다고해야만 할 것이다. 그러나 오늘날에 이르면 자연은 순수한 자연 그 자체로 남아있다기보다는 오히려 산업화되고 볼거리의 일부가 된 채 '관광지'의 성격을 갖게 되었다. 오늘날 자연미가 진정한 것으로 드러나는 경우는, 봄날 길거리를 걷다가문득 풀잎이 부패하는 냄새를 느끼는 경우처럼 그것이 느닷없이 찾아올 때 뿐이다.

구성과 일관성

  작곡가들이 종종 '거대한 흐름'이라고 부르고는 하는 내적인 응집성이 바로 작품의 구성이다. 어설픈 습작들이 산만하다거나 조야하다는 느낌을 주는 이유의 태반은 제대로 된 일관성을 갖추고 있지 못하기 때문이다. 구성과 일관성의 이념은예술작품의 부분이 전체 속에서만, 그리고 전체가 부분들을 통해서만 드러난다는 것으로, 작품의 각 부분이 전체성과의관계 속에서 고유한 기능을 할 때 우리는 그런 작품이 일관성 있다고 평한다.

수수께끼

  예술작품에는 언제나 수수께끼적인 측면이 있으며, 예술작품의 감상은 하나의 수수께끼를 풀어내는 것과도 비슷하다. 예술작품은 특정한 기법과 규약을 통해 고도로 복잡하게 암호화된 대상으로, 그 암호를 풀어내고 해석하는 것이 곧 예술작품의 감상이라 할 수도 있을 것이다.

  한편으로 예술이 수수께끼라고 하는 것은 그것의 해석불가능성에서 기인하는 면 또한 있다. 예술작품은 복잡하게 암호화된 대상이지만 과학이나 수학적 명제들이 그런 것처럼 분명하게 그 의미가 드러나지는 않는다. 예술작품에 대한 '가장완전한 하나의 의미'란 존재할 수 없으며, 예술작품의 진리기능은 수수께끼처럼 드러날 뿐이다.

긴장

  예술작품의 긴장은 근본적으로 서로 화해될 수 없는 것들이 하나의 작품 속에서 통합되어 있기 때문에 발생한다. 예를들어 가장 대표적인 형태의 긴장은 작품의 외적 의미와 내적 의미 사이에서 발생하는 긴장인데, 작품에서 겉으로 드러나는 의미와 내포되어 있는 의미 사이에서 발생하는 불화가 곧 긴장이 된다. 행복과 유토피아의 꿈이 언뜻 드러나지만 비극으로 끝을 맺는 이야기나 자기 중심적인 주인공이 은근슬쩍 비웃음당하고 조롱당하는 이야기 따위에서 이런 형태의 긴장이 드러난다. 그밖에도 형식과 내용 사이의 긴장, 정신과 소재 사이의 긴장, 전통과 독창성 사이의 긴장, 허구성과 진리 사이의 긴장, 심지어는 긴장 그 자체와 일관성 사이의 긴장처럼 작품의 많은 요소들은 긴장 관계에 놓여 있다.

 
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대충 이정도 써봤는데

너무 엉성해...

전달력 면에서도 내용 면에서도 너무 엉성해서

일단 제반지식을 좀 더 풍부하게 넣고(형식/내용 대립에 아리스토텔레스 4원인설 같은 것도 설명해야 하고...)

독일 관념론이나 변증법 이야기도 해야하나 말아야 하나 좀 고민되는데....

암튼 이건 그냥 맛보기고

다 수정하고 나면 완전히 다른 글이 될듯.

전체적인 표현, 어휘, 문체도 훨씬 쉽고 일상적인 느낌으로 가다듬을 거고...

[킨더초콜릿(reading112)]

개추추. 오병남교수 미학강의는 어떰? 많이 보던데들

[Decisionist(jsm1234567)]

안 읽어봐서 모르겠네 ㅜㅜ

[Kari_Min(jaemin7362)]

내가 미학에 대해 문외한인 편이니.. 내용적으로 엉성하다고 전혀 못느낌.. 글의 대상자가 오히려 입문자라는 측면에서 너무 많은 정보보단 지금선? 오히려 그 이하도 충분히 괜찮다고 봄.. 전달력 측면은 잘 모르겠다.. 이정도면 문제 없는 것 같은데?

[Decisionist(jsm1234567)]

그런가...?

[책은도끼다(sungyue)]

[Decisionist(jsm1234567)]

[요조(diykkm514)]

[요조(diykkm514)]

[요조(diykkm514)]

[요조(diykkm514)]

아주 훌륭하다구요^^ - dc App

[닥닥이(kakaro345)]

[밤하늘별빛(csm780513)]

[배고픈독린이(jsong1999)]

미학대계가 좋나보네. 전에도 갤에서 추천받았는데

[밤하늘별빛(csm780513)]

[익명(223.62)]

학교에서 미학 교양강의 열려서 들으러갔더니 초임교수라 그런지 눈물나게 못가르쳐서 혼자 공부했던 기억이 있니

[배고픈독린이(jsong1999)]

여담으로 헤겔 미학은 읽어본 적 있음? 어떤지 궁금한데...

[칸딘스끼(theace277)]

독갤 글 치고 넘 하퀄 아니냐

[Kari_Min(jaemin7362)]

하이 퀄리티란 말 아님? 이게 하퀄이면 그는 도대체..

[밤하늘별빛(csm780513)]

[칸딘스끼(theace277)]

하이 퀄리티란 말이었으 ㅠㅠㅋㅋ

[이방인(mgs09050)]

크로체가 쓴 미학책도 있지 않나.

[AgWater(greengarden12)]

와... ㄱㅅ

[익명(115.21)]

고마워용